Chris Tucker

Nacido y criado en Atlanta, Tucker surgió de la gran hornada de cómicos negros que comenzaron a despuntar a principios de los 90 en los EEUU, mediante programas televisivos de humor primero, y luego a través del cine .
Chris Rock, Dave Chappelle, Bernie Mac o los hermanos Marlon y Shawn Wayans son algunos nombres de esta generación de humoristas.

Tras acabar su estudios en la Universidad de Columbia, Tucker se trasladó a Los Angeles en busca de fortuna como humorista. Sus primeros trabajos destacables fueron sus cómicas apariciones en los programas “Def Comedy Jam” (1992 -? ) y “Uptown Comedy Club” (1992-1994), además de su efímero papel en la comedia “House Party 3” (1994), última entrega de la trilogía protagonizada por el dúo rapero “Kid ´N Play”, muy populares en esos años, pero más que olvidados ( y con razón) actualmente.


Un año más tarde le llegaría su gran oportunidad para subir puestos, fue escogido para protagonizar junto al rapero y actor Ice Cube la comedia “A tope en viernes” (1995) dirigida por F. Gary Gray.
El film, dirigido a la población afroamericana, es una de las más divertidas de su subgénero que he podido degustar. Aunque claro está, esto no es un film de Woody Allen, por lo que el humor que nos ofrece es grueso, explicito y nada sutil, pero efectivo. Junto al tandem protagonista encontramos a otros humoristas destacados como John Witherspoon o el gran (a pesar de su tamaño) Tony Cox.
En el mismo año participó con un breve papel en la visión de Mario Van Peebles sobre la organización de los “Panteras Negras” en el film “Panther”, asimismo se puso bajo las ordenes de la batuta de los hermanos Hughes en “Dinero para quemar”, un filme altamente rescatable ya que es una de las mejores obras dirigidas por los gemelos de Detroit. Un gran año para Tucker que anunciaba futuros proyectos más ambiciosos, populares y sobre todo comerciales.

Si 1995 fue el año que dio conocer a Tucker, 1997 sería el año que lo confirmaría como un actor solvente para ejercer papeles secundarios en filmes donde el humor y la acción se convierten en una masa indisoluble. Interpretó a un timador de poca monta, que se aliará con un reportero de éxito (interpretado por uno de los “chicos malos” de Hollywood, Charlie Sheen) para salvaguardar los diamantes que ha robado a un mafioso con bastante mala leche en “El dinero es lo primero”.
Totalmente opuesto es su papel en el futuro ideado por Luc Besson en “El quinto elemento”.
En este filme protagonizado por Bruce Willis, Milla Jovovich y Gary Oldman, Tucker interpreta a un presentador de radio tan histriónico como seductor con las féminas, a pesar de lucir un amaneramiento más que evidente. Incluso Tarantino le concedió un breve papel en su homenaje al cine “blasxploitation” en “Jackie Brown” (1997).

Pero por si algo reconocemos el rostro del actor es sin duda por su personaje del detective James Carter en la trilogía de “Hora Punta”. Curiosamente esta serie de películas, que reunió al actor con el gran público, han sido las causantes de que Tucker haya abandonado su faceta de actor.
Brett Ratner ,director de las tres entregas, ya había trabajado con Tucker en “El dinero es lo primero” y seguramente fue quien sugirió a los productores el nombre del actor para que fuera el acompañante de Jackie Chan. Chris Tucker no solo era un actor que comenzaba a despuntar, sino que sus interpretaciones “adrenalínicas”, repletas de aspavientos y con una verborrea que parece no tener fin, eran el contrapunto perfecto para la discreción y sobriedad que reina en el personaje de Chan.

La primera entrega de la saga se estrenó en 1998 y obtuvo un gran éxito de taquilla, que no tanto de crítica, lo que animaron a los productores a realizar su secuela, que se frotaban las manos pensando en otro éxito comercial. Lo que no sospechaban era la inteligencia, y gran osadía ,que tuvo Tucker al exigirle 20 millones de dólares por participar en el filme. Una cifra que solo está destinada para los actores más populares de Hollywood como Johnny Deep, Brad Pitt o Ben Stiller.
En cuanto al film, “Hora Punta 2” (2001) ofrecía más de lo mismo, patadas y risas a parte iguales, intentando heredar el trono de una de las sagas de “buddy movies” más conocidas por todo el mundo (occidental), “Arma Letal”.

Como no hay dos sin tres, 7 años más tarde se estrenó la tercera y última (de momento) entrega de los detectives Carter y Lee, esta vez la acción discurre en París, aunque el contenido no cambió ni un ápice. La más floja de las tres entregas, sobre todo por la falta de innovación respecto a las anteriores.
Desde 1998 hasta hoy, el actor solo ha trabajado en la trilogía, un gran abismo silencioso que no se debe precisamente por falta de papeles, si no más por una cuestión de “disfrutar la vida” (aunque también hay quien afirma que su ausencia se debe a su fervor religioso) . Y es que todo el dinero que ha conseguido en su breve carrera como actor, y sobre todo en sus últimas actuaciones, dan más que suficiente para tener una existencia llena de comodidades sin tener que trabajar nunca más. Vamos el sueño que tenemos cada uno de nosotros al levantarnos temprano para tener que ir a trabajar o estudiar.

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Cambio de estadio: futbolistas en el cine (II)

Fabio Cannavaro

El defensa napolitano es uno de los jugadores más populares dentro del ambiente futbolístico. Conocido por estos lares por sus tres temporadas como defensa de el Real Madrid,“Il Bello” fue galardonado con el Balón de Oro en 2006 por su papel desempeñado en el Mundial de Alemania , donde la selección azzurra se alzó con el título.

Cannavaro ha sido tan reclamado por los equipos de toda Europa como por las firmas de diseño, que veían en el jugador un modelo perfecto para publicitar sus productos. Por tanto, no es de extrañar que el italiano cogiera gusto a los flashes y pensara que, si de vez en cuando podía ejercer de modelo, por que no podría ser actor.

Su primera aparición en el cine fue en la comedia italiana “Volesse il cielo” (2002), dirigida, escrita y protagonizada por Vincenzo Salemme, uno de los nombres importantes de cine italiano actual.
En la película, Cannavaro desempeña un pequeño papel que se queda más en la anécdota que en una incursión seria en el mundo del séptimo arte.

También en la anécdota situamos su actuación en “Porque hay cosas que no se olvidan” (2008), un cortometraje que todo aficionado al fútbol debería de ver, ya que como si de una máquina del tiempo se tratara, nos transportará a nuestra infancia de barrio, cuando el balón de fútbol era el único elemento que se necesitaba para pasar horas y horas en la calle.

Cannavaro, que aparece brevemente hacia el final del corto, no es el único futbolista que actua,
otro defensa italiano nos preludia la acción que se va a llevar a cabo, hablamos del ex-valencianista Amadeo Carboni. El cortometraje fue nominado al Goya al mejor cortometraje de ficción en la gala del 2009, sin embargo el libre directo de su director, el argentino Lucas M. Figueroa, se estrelló contra la barrera, ya que fue Isabel de Ocampo con su cortometraje “Miente”(2008) la que consiguió introducir el balón entre los tres palos.

Sin embargo, fallar un gol no significa perder el partido,y es que M. Figueroa endosó una goleada, su corto se incluye dentro de uno de los libros más curiosos (y estúpidos) del mundo, el libro Guinnes de los records. Su pequeña obra ha sido el corto más galardonado de la historia. Una gran muestra de que con talento, el cine y el fútbol pueden ser dos grandes aliados.




Alfredo Di Stefano

Con el permiso de Raúl, Di Stefano es el mayor estandarte de Real Madrid (aunque le falto muy poco para haber sido jugador del Barcelona) y uno de los mejores jugadores de todos los tiempos.

El hispano-argentino, que curiosamente nunca jugó un mundial, fue el mayor responsable de que el Real Madrid ganará 5 Copas de Europa interrumpidamente, además de 8 trofeos de Liga.
Un autentico crack que, a pesar de su edad, sigue vinculado con el equipo merengue como presidente de honor.

El idilio de la “saeta rubia” con el cine se reducen a cuatro películas, todas ellas con el fútbol como piedra angular de la trama. En la producción argentina “Con los mismo colores” (1949) Di Stefano metió su primer gol en el mundo del celuloide cuando aún era un perfecto desconocido en nuestro país.

En su primera temporada en el Real Madrid fue “convocado” junto a otros futbolistas como Emilio Aldecoa o Campanal para formar parte de el “dream team” del director Rovira Beleta en “Once pares de botas” (1954).

Solo dos años más tarde Di Stefano protagonizaría su primera película, “ La Saeta rubia” (1956) título que hace referencia a su apodo futbolístico. En el filme el hispano-argentino (que se interpreta a él mismo) sufre un hurto a manos de unos jóvenes rateros. Estos, al percatarse de que la cartera es de el futbolista, en vez de robarle todo el dinero (que seguro que le sobra) deciden devolvérsela ya que es su ídolo y no se merece tal maldad (pero cualquier otra persona sí). Di Stefano, en plan paternal, no solo no denuncia a los chiquillos, sino que les coge cariño y les ayuda a fundar un equipo de fútbol.

Su último partido dentro del cine de ficción fue “La batalla del domingo” (1963) donde de nuevo el ex-futbolista se interpretaría a él mismo. Este último trabajo es el más destacado, no tanto por su argumento ingenuo y con un espíritu propagandístico hacia la figura de Di Stefano más que descarado, sino por que el futbolista está rodeado de uno de los mejores actores nacionales de todos los tiempos, Manuel Alexandre, y eso, queramos o no, le dota de mayor calidad al producto.
Otro punto a favor es su director Luis Marquina, curtido en innumerable filmes cuando se hizo cargo de este proyecto.

Sin embargo, al igual que pasaba con Kubala, todas las películas de Di Stefano eran muy del gusto del régimen de Franco, filmes excesivamente candoroso, que trataba temas tan amables como estériles y recubiertos de un halo propagandístico . El cine debía de reflejar la supuesta virtudes y comodidades que existía en la sociedad española gracias al dictador.
Comodidades que eran reales para algunos, pero un auténtico mito griego para muchos otros.




Juan Garchitorena

Probablemente el primer futbolista que vio en la actuación una buena alternativa para ganarse el pan, sin tener que estar dando patadas a un balón durante buena parte de su vida. Juan Garchitorena nació en Manila en 1898, aunque conservó su nacionalidad argentina heredara de sus padres.

Garchitorena fue delantero del Futbol Club Barcelona, pero irónicamente sus goles no ayudaron a que su equipo de alzara con el título de liga, sino todo lo contrario. El Espanyol acusó al Barcelona de alineación indebida, ya que Garchitorena era argentino (aunque poseía un pasaporte falso que enmascaraba su procedencia) algo que estaba prohibido en aquellos primeros pasos del fútbol profesional en nuestro país.
El Barcelona tuvo que renunciar al torneo y Garchitorena cambió los estadios por los platós de cine. Y la verdad es que no le fue nada mal.

En su nueva faceta de actor, acotó su apellido y se dió a conocer como Juan Torena.
Inició su andadura en la industria siguiendo el mismo camino que la mayoría de los actores hispanos
que buscaban fortuna en el Hollywood(land) de los años 30 , actuando en las versiones latinas que realizaban los mismos estudios de sus películas, como en “Sombras de Gloria” (1930) o
“El hombre malo” (1930).

El argentino, además de tener actitudes para el fútbol y la actuación, debía de tener buena voz,
ya que participó en numerosos musicales, “El carnaval del diablo” o “The Devil on Horseback", ambas de 1936 y dirigidas por el polifacético Crane Wilbur, son buenos ejemplos. En ese mismo año coincidió en “Meet Nero Wolfe” con Maria Maringola, antes de convertirse en una estrella de cine bajo el sobrenombre Rita Hayworth.

Actuó en más de 30 películas, y aunque la mayoría eran proyectos más bien de 2ª división, alguna vez alcanzó la “Champions” de la mano de grandes directores como George E. Marshall en
“A message to Garcia” (1936) o Fritz Lang en “Guerrilleros de Filipinas” (1950)




Eric Cantona

Es curioso como los jugadores más conflictivos son los que más están predispuestos a reconvertirse en actores: Vinnie Jones, Collymore y como no, nuestro protagonista Cantona.


El francés es uno de los grandes ídolos del Manchester United, pero para bien o para mal, es más recordado por la patada a lo “Karate Kid” que propinó a un espectador que por su juego. Anteriormente a este suceso, el francés ya había demostrado que era un hombre con carácter en varias ocasiones, a sus continuas “discusiones” con los entre-
nadores y presidentes en su etapa en la liga francesa hay que sumar el balonazo que propinó a un arbitro en la cara cuando defendía la camiseta del Nimes.
Vamos, que llevarle la contraría,dentro de el terreno de juego, no es una buena idea.

Sus debut como actor lo realizó cuando aún estaba en activo, pero su primer papel como “titular” fue un año después de retirarse, en “Elizabeth” (1998), biopic de la reina más famosa de la historia, protagonizada por Cate Blanchentt y Geoffrey Rush. De la dirección se encargó el indio Shekhar Kapur, que volvería de nuevo a filmar la vida de la monarca en “Elizabeth: La edad de oro” (2007)
con el mismo dúo Blanchentt y Rush en el cast.

Contento con su actuación, el jugador del cuello subido, ni corto ni perezoso, se lanzó hacia su primer protagonista, a pesar de la evidente inexperiencia que tenía, en la comedia “Mookie”.
El resultado fue un fuera de juego claro.
Mucho más fino estuvo en la magnífica “La fortuna de vivir” (1999) interpretando al inestable personaje de Jo Sardi. Otro mundo es su efímera aparición en “La grande vie!" (2001), un cameo sin la mayor importancia si no fuera porque Eric aparece junto a su padre Albert Cantona y su hermano Jöel Cantona, otro ex-futbolista que le encanta el cine.

Sus siguientes trabajos como protagonista serian “L´outremangeur” (2003), donde se introduce en la piel de un comisario con verdaderos problemas de gula, y la Tv movie “Papillon noir” (2008), sin olvidar su papel en el ambicioso remake del clásico del "cine noir" “Le deuxiéme souffle” (2007), un film del fallecido Alain Corneau que contaba con Monica Bellucci y Daniel Auteuil como pareja protagonista.

Al igual que en su carrera como futbolista, Cantona acapararía todas las miradas cuando se trasladó de Francia a Inglaterra, ya que el combativo (y maestro) Ken Loach,junto a su guionista de confianza Paul Laverty, propusieron a Cantona que fuera el gran reclamo para un filme donde precisamente él es una pieza imprescindible. Como habéis adivinado estamos hablando de “Buscando a Eric” (2009).
Este agridulce filme sirve de nuevo a Loach como superficie para poder plasmar su visión reivindicadora de la clase trabajadora inglesa además de mostrarnos las “fricciones” familiares que se producen por la falta de comunicación entre los distintos miembros.
Cantona, cuyas escenas son la parte más amable del filme, logra uno de sus mejores trabajos
(no obstante está haciendo de él mismo) pero este mérito se queda a años luz de la interpretación de Steve Evets, que consigue transmitir toda la fragilidad, melancolía, rabía y por que no ingenuidad de su personaje. Por ello, fue galardonado con el premio al mejor actor en los European Films Awards. Una película que nadie debería de perderse, y menos los futboleros.

Gracias a esta película, Cantona ha logrado que su carrera de actor se solidifique y se convierta en un titular indiscutible del cine galo. Para este año tiene pendiente el estreno de “Switch” un filme de suspense y “De force” un film de acción. Incluso su nombre suena para “Sleight of Hand”, proyecto que podría estar protagonizado por Mel Gibson, Kiefer Sutherland y Gerard Depardieu.

Cantona junto a Vinnie Jones, son los dos únicos futbolistas actuales que han logrado cambiar el balón por un guión sin ser expulsados a las primera de cambio (aunque el francés tiene mayor dotes para la interpretación que el inglés). Bueno, Cantona ya destacaba sobre los demás jugadores en sus participaciones en los spots televisivos de Nike, ¿o es que alguno de vosotros sido capaz de olvidar el famoso “au revoir” , mientras se alzaba el cuello de la camiseta, del spot del coliseo?




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Del porno al cine convencional (Fin)

Chasey Lain

Aunque fue una de las reinas del cine porno americano durante la década de los 90, actualmente pocos la recuerdan, algo normal si tenemos en cuenta lo efímero que es la fama, más aún en el mundo del porno, donde una mujer que haya pasado la treintena ya se le comienza considerar una “fruta madura”, que empieza a podrirse y ha de ser renovada por otras “más frescas“.

Chasey Layn dio el salto al cine X, como muchas de sus compañeras, tras haber bailado muchas noches en una barra americana mientras se desprendía de la poca ropa que la cubría. Cuando se hallaba en pleno auge como “pornstar” debutó en el cine convencional con “El caballero del diablo” (1995), filme que pertenece a la franquicia de la legendaria serie “Historias de la cripta” (1989-1996), la cual fue creada a partir de los no menos míticos cómics homónimos, que han sido reeditados recientemente en nuestro país en varios tomos recopilatorios.
Chasey Layn realizaba un breve cameo, como una de las chicas de la escena del bar, en este filme protagonizado por Billy Zane, William Sadler y Jada Pinkett (esposa de Will Smith)

Tras esta pequeña participación, Chasey Layn continuó su carrera en el mundo del porno hasta que en 1997 realiza su segunda expedición en “Orgazmo”, la comedia de Trey Parker ambientada en el universo del cine X. La pornstar, acompañada de otros compañer@s de oficio, disfrutó de un papel más sustancial, aunque fuera interpretado a una actriz porno.

En 1998, junto a la también estrella porno Jim Kelly, efectuó otro cameo, aunque esta vez más cinéfilo, porque fue en “Una mala jugada”, una de las obras del inconformista Spike Lee, protagonizada por Denzel Washington, Milla Jovovich y Rosario Dawson.
En el año 2001 se apartó del cine para adultos durante casi 2 años, pero antes de su vuelta al ruedo participó en “Evil breed: The Legend of Samhain” (2003) ,obra de terror con grandes dosis de humor grueso y erotismo administrado en gran parte por el reparto femenino que lo conformaban actrices porno como Ginger Lynn Allen o Jenna Jameson.

Chasey Layn sigue actualmente vinculada al cine X, aunque ejerciendo como productora, ya que dejó de actuar en el 2008. La última noticia que tenemos es que su nombre suena como una de las actrices que formarán el reparto de “Cold Plastic”, un filme de terror que contara con otros actores y actrices del cine para adultos.




Veronica Hart

Inició su carrera a finales de los 70, tuvo se época de esplendor en los 80, actualmente es una de las mujeres con mayor importancia en el cine X gracias a sus labores con directora, editora y productora ,de hecho, ha producido algún proyecto lejos de esta industria, como el filme de terror “Parasomnia” (2008).

Sus primeros pinitos como actriz dramática los realizó cuando era una de las actrices porno más reconocidas del panorama. Sus participaciones en el cine convencional fueron numerosas, llegando incluso a protagonizar algún proyecto como “Enloquecida” (1987)
o “Slammer Girl” (1987), filme altamente erótico que seguía el sendero marcado por la película de culto “Cárcel Caliente” (1974)

En la década de los 90 su actuaciones realizando sexo explicito cesaron (aunque solía realizar “inocentes” cameos en los filmes X que dirigía), pero continuo su carrera como actriz dramática, aunque la mayoría de veces en películas con muy bajas pretensiones artísticas y financieras como “Sexpot“ (1990) o “Beauty School” (1993).

En 1997 tuvo un doble participación en la recomendable “Boogie Nights”, por una parte tuvo un pequeño papel dando vida a una seria jueza, por otro lado, su vida sirvió de inspiración a
Paul Thomas Anderson (director y guionista del filme) para crear al personaje de Amber Waves, que interpretaría Julianne Moore. El mismo director no dudo en volver a solicitar a la ex-pornstar para regalarle otro pequeño papel (esta vez como asistente dental) en su siguiente gran obra
“Magnolia” (1999), otra muestra del gran talento que atesora Paul Thomas Anderson.


En el año 2001 apareció en dos series de televisión, “First Years” (2001) y la serie de culto “A dos metros bajo tierra” (2001-2005), además de co-protagonizar con lo no menos legendaria
Marilyn Chambers el film de bajo presupuesto “Little Shop of Erotica” (2001)

En los últimos años se ha centrado más en su trabajo como productora lejos de la industria pornográfica, aunque esporádicamente se deja ver en algún filme.
Su última aparición fue en “One-Eyed Monster” (2008) junto a Ron Jeremy, otra estrella del porno que le ha cogido el gusto a actuar sin tener que desnudarse.




Gina Lynn

Al contrario que las dos actrices anteriores, Gina Lynn pertenece a la nueva hornada de pornstars, una generación acostumbrada a pasar por el quirófano para aumentar (o reducir, según convenga) sus encantos, ganando en vistosidad pero perdiendo cualquier atisbo de naturalidad.

La actriz, que inició su andadura en el porno en el año 2000, tuvo un buen debut fuera del cine X, nada más y nada menos que en “Los Soprano” (1999-2006) ,unas de las mejores series que estos ojos han podido ver. Al año siguiente actuaría en “Survive This” (2005) una película que mezcla el terror con el humor, y por supuesto, un erotismo de lo más tosco.

La actriz, consciente de que su verdadero oficio es el cine para adultos, se dedicó en cuerpo y alma a su carrera en el porno, hasta que en 2009 obtuvo otro pequeño papel en otra “comedia facilona”, esta vez en “Minghags” , filme que puede llamar la atención porque el trío que ejerce como directores y guionistas está formado por Bam Marguera, Brandon Dicamillo y Joseph Frantz,creadores de el programa “Viva la Bam" (2003-2005) y parte del grupo “cómico” Jackass. Mayor subproducto fue “Still a Teen Movie” (2009), un film realizado con dos duros que contaba con un breve cameo de la actriz.

Actualmente, la puertorriqueña parece que ha decidido aparcar su faceta como actriz porno para concentrarse en su carrera como actriz dramática. En este mismo año ha participado en dos filmes
“The Reunion” y “Rap Sucks”, además de tener pendiente el estreno de la comedia
“Calvin´s Dream”, filme con un reparto formado practicamente por actores y actrices porno.
Asímismo ha terminado el rodaje de la película “Mancantion” e interpretará un pequeño papel en el próximo proyecto de dos veteranos del cine americano James Caan y Louis Gosset Jr, “Redemption”.




Jill Kelly

En los años 90 fue una de las reinas del porno. Según cuenta alguna biografía suya, empezó a trabajar como stripper cuando solo contaba con ¡15 años! , y al poco de cumplir la mayoría de edad inició su viaje en el mundo del porno.

Curiosamente sus primeras apariciones delante de una cámara no fueron en una producción porno, sino en las tres entregas de la trilogía “The Roller Blade Seven” (1991) escritas y protagonizadas por Scott Shaw, una especie de “heavy gurú” en artes marciales,
que entre otras actividades le gustaba participar en este tipo de películas de bajo calibre.
El director de esta trilogía, Donald G. Jackson (que junto a Shaw se consideran los padres del llamado “cine zen”) ha reclamado constantemente la presencia de la actriz en varias de sus películas de paupérrimo presupuesto como en “Big Sister 2000“(1995), “Toad Warrior” (1996) o “Armageddon Boulevard” (1998) entre otras.

Dejando al margen sus numerosas participaciones en el cine de G. Jackson, la pornstar fue una troglodita muy sexy en el filme erótico “Virtual Encounters” (1996), interpretó a una enfermera de las que quitan el hipo en “Orgazmo” (1997) e incluso participó en el drama “Una mala jugada” (1998)
de Spike Lee.

Sus últimas apariciones en el cine convencional fueron de la mano de su amigo Robert Shaw en “Max Hell Frog Warrior” (2002) donde consiguió ser la co-protagonista del filme, (su mayor logro fuera del porno) y “Vampire Boulevard” (2004) donde hacia de zombie.
Hoy por hoy, Jill Kelly no se encuentra para tirar cohetes, su productora de cine x quebró, obligándola a malvenderla a la empresa Penthouse para poder hacer frente a las deudas y conseguir algo de beneficio.



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Ojo al parche: 8 tuert@s del séptimo arte

Tradicionalmente asociado a los lobos de mar, el parches ocular es un elemento que se ha utilizado bastantes veces en el cine, sobre todo para darnos ha entender que el personaje que lo porta es un ser humano aguerrid@, valiente y curtido y mil y una batallas,ganandose sus heridas con honores.

A continuación os mostrare 8 personajes de cine que lucen tan bien el parche que casi nos da ganas de tener uno. Como dice el viejo dicho mejor tener un ojo que ninguno, y más si el ojo que mantienes vale por dos, como el de Raoul Wash y John Ford (aunque este último no era realmente tuerto)




Franky Cook / Sky Captain y el mundo de mañana (2004)

Angelina Jolie tras encarnar por segunda vez a la heroína
Lara Croft, interpreto a otra mujer dura de pelar, esta vez a la comandante Franky Cook, máximo mando de un escuadrón femenino dispuesto a ayudar a Sky Captain (Jude Law) a repeler la amenaza que supone para la humanidad la actitud más que hostil de unos robots gigantes.

A pesar de que su personaje no es el que más peso tiene el la trama, cada vez que aparece en pantalla, su presencia se come la de los demás , gracias a su vestuario, su belleza y como no, a ese parche que le da un aire guerrero a la par que sexy.

El filme, escrito y dirigido por Kerry Conran, fue el primero en combinar actores de carne y hueso con escenarios totalmente digitales, técnica que se ha utilizado en otros filmes, como las geniales “Sin City” (2005) o “300” (2006).
Dejando de lado su aspecto visual, esta obra no destaca mucho sobre la mayoría de películas de aventuras, pero no nos aburrirá durante las casi dos horas que nos ofrece, que no es decir poco, ya que por todos es sabido que una de las funciones principales del cine es entretener.
Además el filme tendrá un plus para los amantes del subgénero steampunk, en auge últimamente.






Serpiente Plissken / 1997: rescate en Nueva York (1981)

John Carpenter es uno de los directores que más venero, capaz de hacer que un film luzca con luz propia contando con un presupuesto relativamente bajo. Clásicos como “ La noche de Halloween” (1979) , “La cosa” (1982) o “Golpe en la pequeña China” (1986) tienen su firma.

Serpiente es un mercenario que es obligado a rescatar al presidente de los Estados Unidos, una nación totalitaria que utiliza la isla de Nueva York como lugar de destierro para todos aquellos que no cumplen las rígidas normas establecidas.
Dentro de esta particular cárcel, donde reina el caos más absoluto, Serpiente tiene que llevar de nuevo al presidente a zona segura antes de 24 horas,si sobrepasa este tiempo sufrirá una muerte de lo más desagradable.

Serpiente es el antihéroe por antonomasia, está en contra del estado tiránico que se ha vuelto Estados Unidos, pero tampoco simpatiza con los psicóticos de Nueva York, es un hombre que solo le importa él mismo. Prepotente, violento, rebelde y muy seguro de sus habilidades, Serpiente es uno de los mejores personajes de acción del cine, gracias en buena parte a la interpretación de Kurt Russel (actor fetiche de Carpenter), que con su forma de andar e interactuar con los objetos y otros personajes nos transmite esa “chuleria calmada” que caracteriza al personaje.

El filme tuvo un secuela “2013: rescate en L.A” (1996), de nuevo con Carpenter como guionista y director y Kurt Russel como Plissken. Esta continuación de la saga tiene tantas similitudes con su predecesora que podemos considerarla más un remake que una secuela.

Esta vez, Serpiente tiene que adentrarse en Los Angeles, la nueva prisión yanqui, para arrebatar de las manos de Cuervo Jones (un clon descarado de Che Guevara) un mini disco capaz de dejar sin electricidad cualquier parte del mundo.
El filme tiene algunos momentos de gran lucidez ( la perturbadora secuencia de los maniáticos híper operados de Beverly Hills, con Bruce Campbell al frente), aunque falla en otros aspectos como son todas las escenas en la que aparece Peter Fonda y sobre todo las grandes similitudes con la original que provocan que esta “secuela” pierda toda la frescura de la anterior. Aun así,recomendable para los fanáticos de la acción.

Caso aparte es “Escape of New Jersey” (2010), tercera entrega de bajísimo presupuesto y calidad.
Ni Carpenter ni Russel tienen nada que ver con el filme, aunque me pregunto como ndemonios se hicieron con los derechos para hacer tal subproducto.




Frigga / They call her one eye (1974)

Posiblemente el filme más desconocido de este post,
“ They call her one eye”, es un filme sueco, enmarcado dentro del género “explotation” (que a su vez engloba más subgéneros) que sirvió de inspiración a Tarantino para su dos volúmenes de Kill Bill.

El filme, que fue prohibido durante algún tiempo en Suecia, nos narraba la dura historia de Frigga ( conocida también como Madeleine u One Eye) una joven que es introducida por un amante al mundo de la heroína, convirtiéndose adicta a la sustancia y obligada a prostituirse para saciar sus ansias.
La gota que colmara el vaso será la perdida de un ojo en manos de un cliente insatisfecho.
A partir de este fatídico acontecimiento, Frigga ahorra dinero para comprar armas y llevar a cabo su venganza.

El film tiene todos los excesos del género "explotation" que tanto entusiasma a una parte del público. Sexo, droga y violencia serán los tres pilares que sostendrán este relato llena de escenas bastantes explicitas y contundentes, con un uso de la cámara lenta que acentúa la agresividad de las imágenes.

Su protagonista, Christina Lindberg participó en numerosos filme del mismo calibre con un alto contenido sexual, convirtiéndose en una de las actrices suecas más reconocidas de la
década de los 70.Un autentico filme de culto, que desgraciadamente no tiene una versión con subtítulos en castellano (o por lo menos yo no lo he visto).



Mayor Buckman / 2001 maniacos (2005)

Secuela de la mítica “2000 maniacos” (1965), pelicula de culto dirigida por Herschell Gordon Lewis, donde el humor negro grueso y la sangre corre a borbotones, característica que siempre estará presente en la obra del director americano, de hecho, muchos le consideran el padre del cine gore.

La secuela retoma el mismo argumento de la original, un grupo de jóvenes se pierden por la carretera topándose con un pueblo de “paletos sureños” que están en plena celebraciónes. Los jóvenes son obligados a quedarse al festejo sin saber que ellos serán la atracción principal, siendo asesinados por el populacho de las formas más retorcidas a la par que divertidas. Al frente del pueblo esta el Mayor Buckman, interpretado por el incombustible Robert Englund, un alcalde aparentemente bonachón, pero que oculta un asesino despiadado que hará lo que sea para que su pueblo de psicópatas tengan una celebraciones dignas. Como sureño de pura cepa que es, Buckman luce un parche con la conocida “Navy Jack”, la bandera del guerra de ejercito confederado durante la guerra de secesión americana.

Al igual que le pasaba a “2013: rescate en L.A.”, el film se parece tanto a su antecesor que pierde naturalidad y capacidad de sorpresa, quedándose en un simple lavado de cara del original.
En el cast, aparte de Englund, destaca la presencia de Peter Stormare y de Eli Roth, director de películas tan gores (y divertidas) como “Cabin Fever” (2002) o “Hostel” (2005), y su segunda parte “Hostel 2” (2007)

Tim Sullivan, director de esta secuela, se hizo también al volante de la tercera parte de la saga, “2001 Maniacs: Field of Scream”,de nuevo el mismo argumento, con más sexo pero menos imaginación.




Luz / Machete (2010)

Si me encontrará con un duende mágico y me dijera que puedo escoger a una actriz de cine para que fuera mi novia, sin ninguna duda elegiría a Michelle Rodríguez, actriz que da vida a Luz. Rodríguez posee una belleza tan natural y tan “salvaje” que,
aún con parche, está totalmente arrebatadora.

En “Machete”, filme que surgió de uno de los falsos trailers incluidos en el experimento que supuso “Grindhouse” (2007), Luz es una aparente vendedora ambulante que ayuda a los inmigrantes “ilegales” de Estados Unidos a prosperar.
Sus buenas acciones con los inmigrantes serán recompensadas con la perdida de un ojo. Aun con un ojo menos, Luz ayudará (a base de tiro limpio) a Machete a aniquilar a los malos.

El film de Robert Rodríguez es, en primer lugar, un homenaje a la serie B más macarra, y en segundo lugar, un regalo para Danny Trejo, actor fetiche del director (junto a Cheech Marin), un secundario de lujo que ha participado en innumerables film.

La verdad es que la pelicula nos ofrece una diversión muy gamberra, repleta de escena inverosímiles, excesos y mucha violencia gratuita, pero que nos entretiene de lo lindo, claro está , siempre y cuando no nos la tomemos en serio.

Un film que Trejo se atrevió a decir que era la madre de un nuevo subgénero, el “mexplotation”. Quizás se olvido que la trilogía de el "Mariachi" del mismo Robert Rodríguez ya poseía las características del subgénero.




Rooster Cogburn / Valor de Ley (1969)

Filme que ha sido recientemente objeto de “remake” por los Coen, heredando Jeff Bridges el personaje que interpreto en antaño el Duque, más conocido como John Wayne.

Rooster Cogburn es un viejo alguacil, que profesa un gran amor a la bebida, que es contratado por un niña para acabar con el asesino de su padre. En esta aventura no estarán solos, Cogburn y su joven clienta serán acompañados por La Boeuf (Glen Campbell) un ranger que quiere dar caza al mismo hombre.

El filme fue una de las obras maestras del director Henry Hathaway, un especialista del western que trabajó en varias ocasiones con John Wayne, que bordó el papel de vaquero crepuscular alcohólico que le hizo merecedor del Oscar al mejor actor en 1970. La película también atesora la interpretaciones de otros dos grandes actores, el siempre interesante Robert Duvall y el tristemente desaparecido Dennis Hooper.

El alguacil Cogburn viviría una aventura más antes del “remake” de los Coen, “El rifle y la Biblia” (1975), esta vez acompañado de Katharine Hepburn, el personaje de Wayne deberá de capturar a unos villanos que se han hecho con un cargamento de nitroglicerina para intentar ganarse de nuevo su placa, la cual ha sido arrancada de su pecho por la decisión de un juez.

En 1978 se llevo a cabo el primer “remake” de “Valor de Ley”, una TV movie que nunca se ha estrenado en nuestro país. El actor Warren Oates encarnaba al borrachín de Cogburn en esta adaptación del clásico para televisión.





Ellen Driver / Kill Bill vol. 1 (2003)

A parte de ser una de los cuatro componentes del “Escuadrón Asesino Víbora Letal” (¡me encanta el nombre!) que tan “alegremente” irrumpen en el ensayo de boda de Uma Thurman, y una asesina despiadada que no duda en envenenar a cualquiera que la moleste, también es un mujer bastante coqueta, capaz de adaptar su parche según la ocasión, con la cruz roja si está disfraza de enfermera o el tradicional parche negro para el día a día.

Como hemos mencionado antes, el personaje que interpreta Daryl Hannah esta claramente inspirado en el personaje de Frigga del filme “They call her one eye” (1974), aunque solo físicamente, ya que en cuestión de personalidad nada tienen que ver. Un personaje que volvió a poner a Hannah en el ojo del huracán de Hollywood, ya que llevaba unos pocos años alejada de grandes filmes.

En 2003 y 2004 Tarantino presentó en la gran pantalla las dos partes en la que dividió su esperado
“Kill Bill”, filme que sirvió al director como superficie para homenajear los filmes de kung-fu de sesión doble que el director ha consumido vorazmente desde su tierna infancia, con momentos de autentico lujo, como el "flashback" animado sobre el pasado del personaje de Lucy Liu , la sangrienta pelea de “La Novia” contra los “88 maníacos” o el angustioso escape de la protagonista de un ataúd.

Tarantino escogió para el reparto gente de su confianza como Uma Thurman y Michael Madsen, además de rescatar del olvido a actores admirados por el director como David Carradine y
Sonny Chiba para llevar a cabo esta obra repleta de guiños, diálogos más que ocurrentes, acción y sobre todo buen cine.

Y es que si debería de destacar una cualidad de Tarantino es la de crear un producto con sabor propio utilizando como materia prima refritos de otros productos, vamos, igual que nuestras madres, capaces de hacer unas croquetas de lujo con las sobras del cocido.




El hombre del parche negro / A ciegas (2008)

Fernando Meirelles, director de grandes trabajos como
“Ciudad de Dios” (2002) y “El jardinero fiel” (2005) se atrevió con el reto que suponía de adaptar al cine el libro de Saramago “Ensayos sobre la ceguera”. El resultado fue digno, aunque no alcanzaba la profundidad de la novela además de dejar la crítica que hace el autor sobre nuestra “ceguera sin ser ciegos” bastante difuminada.

Fiel al escrito del luso, en el filme no se menciona ningún nombre propio, por ello el personaje que interpreta el infravalorado
Danny Glover le conocemos como el hombre con el parche negro. Un personaje secundario, pero con una gran presencia física, que representa en cierta medida la forma de pensar de la vejez, una forma de pensar que se sustentan en la experiencia que te da haber vivido la mayor parte de tu vida.

Aunque el film no alcanza la dimensión de la novela, Meirelles intento ser lo más fiel a la novela, mostrándonos una mundo donde la mayor parte de la raza humana es castigada por una epidemia de ceguera, provocando que los instintos más egoístas, siniestros y crueles del ser humano salgan a relucir, convierto al ser humano en una bestia despiadada para su propia raza.

Junto a Danny Glover, podemos ver a Mark Ruffalo, Juliane Moore o a Gael García Bernal en un papel que nos dará autentico pánico. “A ciegas” es un filme recomendable (abstenerse las almas sensibles, ya que algunas escenas son de una crudeza tal, que sentiremos como se nos encoge el corazón), pero más recomendable es el libro, un obra que nos ayudará a ver lo ciegos que podemos estar aunque nuestro ojos estén sanos, y en el caso de no estar "ciegos", plantearnos cual es nuestra responsabilidad ante los que sí lo están.



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