Brother, ¿dirigimos una película? (II)

Hermanos Wachowsky

Los hermanos más conocidos de la ciudad de Chicago se han labrado una buena posición dentro del caótico mundo del llamado séptimo arte sin acudir a una universidad o escuela de cine. Una demostración más de que con talento, perseverancia y esfuerzo se puede llegar lejos.
Andy y Lana (conocido como Larry antes de su operación de sexo) Wachowski eran unos completos desconocidos cuando vendieron el guión de “Asesinos” (1995) filme donde se enfrentaban a vida o muerte Silvestre Stallone y Antonio Banderas.

“Asesinos” abrió las puertas para que los hermanos pudieran dirigir su primer film “Lazos Ardientes“(1996), un thriller de cosecha propia, con grandes dosis de erotismo, que atesoraba muchas de las virtudes del mejor cine negro americano. Un film altamente recomendable, sobre todo por la gran sensualidad que desprenden las dos protagonistas, Jeniffer Tilly y Gina Gherson.

Pero lo mejor estaba por llegar, en 1999 estrenaron la primera entrega de “Matrix”, unas de las trilogías más exitosas del cine. Su secuelas “Matrix Reloaded” y “Matrix Revolutions” se exhibieron ambas en 2003. Todas ellas fueron escritas, dirigidas y en parte producidas por los hermanos de Chicago.
Los Wachoski accedieron al Olimpo de los cineastas gracias a esta saga donde consiguieron mezclar un buen puñado de referencias e influencias muy diversas sin que el resultado se enturbiase.
Como Matrix fue su gran creación, los hermanos han estado siempre presente en todos los proyectos de la franquicia, surgidos a partir del éxito de los tres filmes. Es por ello que los guiones de los videojuegos “Enter the Matrix” (2003) y “Path of Neo” (2005), además de algunos episodios del agradable experimento que supuso “Animatrix” (2003) tengan sus rúbricas.

Tras la borrachera de éxito y premios con “Matrix”, producirán la adaptación al cine de una de la grandes obra de Alan Moore, “V de Vendetta” (2006) dirigida por James McTiege, el hombre de confianza de los Wachosky, ya que han trabajado en numerosos proyectos juntos.
El film es bastante aceptable pero ni por asomo consigue la profundidad y la crítica política de la novela gráfica.

Volverán al puesto de directores con “Speed Racer” (2008) trasladando la mítica serie de dibujos a la gran pantalla con actores de carne y hueso. El film es un autentico espectáculo de luz y color pero nada más, ni el argumento ni el trabajo de su buen plantel de actores (donde destaca su protagonista Emile Hirsch, uno de los jóvenes actores americanos con mayor proyección de futuro) consiguen salvar el film que abusa desmesuradamente del ordenador.

De nuevo como productores, se encargaron de llevar a buen puerto “Ninja Assasin” (2009), dirigida (otra vez) por James McTeige, un filme de acción frenético y lleno de excesos, pero que nos hace pasar un rato realmente entretenido.

Actualmente se le vincula varios proyectos sin que ninguno este confirmado al 100%.
Para el 2012 pueden iniciar el rodaje de un film aún sin titular que presumiblemente protagonizará Will Smith y el film “Cobalt Neural 9” sin reparto confirmado.
Otro proyecto que pueden dirigir es el filme “Cloud Atlas” que contaría con Tom Hanks y Hugo Weaving como actores principales.




Hermanos Pang

Bastantes desconocidos en Occidente, pero unas autenticas eminencias en Oriente, sobre todo en Thailandia, lugar donde han rodado la mayor parte de su filmografía.
Oxyde y Danny Pang dirigieron juntos por primera vez en “Bangkok Dangerous” (1999) un tremendo film con reminiscencias del cine de acción de John Woo y Takeshi Kitano. En 2008 los propios Pang realizarían el remake americano de este film, esta vez protagonizado por el últimamente vapuleado Nicolas Cage, y como cabía de esperar, obtuvieron un resultado mucho menor que el original.

Debido al buen resultado de su primer trabajo juntos, decidieron unirse de nuevo para el film de terror “The Eye” (2002) otro gran éxito de público y crítica, que tendría su remake para el público occidental en 2008 con Jessica Alba como protagonista.El éxito de “The Eye” animó a los gemelos a crear la conocida como “La trilogía del ojo”, que se completaría con “The Eye 2” (2004) y “The Eye: Infinity” (2005), esta última podemos considerarla casi como una parodia de las dos anteriores.

Sin abandonar el terror, los Pang hacen alarde de la gran fuerza y belleza visual de sus imágenes en “Re-Cycle”(2006), un entretenido film que salvó el prestigio perdido con “The Eye: Infinity”.

En pleno apogeo en occidente de remakes de títulos de terror oriental, los Pang fueron llamados para que dirigiesen en Hollywood en film de terror “The Messengers” (2007), un film que sin duda aumento los ceros de la cuenta corriente de los Pang, pero reflejó la incapacidad de los gemelos de hacer buen cine siguiendo los carriles del cine americano. Incapacidad que será de nuevo palpable con el ya mencionado remake de “Bangkok Dangerous”.

Por ello no es de extrañar que ambos hermanos volvieran a tierras asiáticas para continuar con sus carreras fílmicas, aunque en estos últimos años parecen haber perdido la fórmula de sus primeros filmes.“The Storm Warriors” (2009) y “Child´s Eye” (2010) son buenos ejemplos de la pérdida de sorpresa e impacto que solían tener los filmes dirigidos por los Pang, aunque debemos de reconocer que han evoluciando estupendamente en cuanto a la belleza y el tratamiento de imágenes.

A pesar de estos síntomas de decadencia de los últimos años, los Pang son unos directores a tener en cuenta tanto en sus filmes en solitarios, que son bastantes, como en sus trabajos juntos.




Hermanos Dardenne

Consideraros como dos de los directores más importantes de Europa, los belgas Luc y Jean-Pierre Dardenne llevan más de 30 años en el mundo del cine, primero en el documental y más tarde en la ficción, deleitando al público con su mirada profunda, descarnada y libre de artificios sobre distintos problemas sociales, situando buena parte de sus historias en la región belga de Seraing.

En 1978 comenzaron su andadura en el documental con “Le Chant Du Rossignol”, el primero de los muchos documentales que realizarían ambos hermanos hasta 1987, año en que los belgas deciden iniciar un transbordo hacia el cine de ficción, primero con el corto “Il Court, il Court, le Monde”, y en el mismo año con el largometraje “Falsch”.

Tardaron 5 años en ponerse de nuevo bajo las cámaras, sin embargo la espera no mereció la pena y su “Je Pensé à Vous” (1992) no causo gran impresión ni a la crítica ni al público.

Toda esta situación se invertiría con su siguiente film, “La promesa” (1996) un drama que caló hondo, tanto por su argumento como por la forma características de los Dardenne de traducir el guión en imágenes. El film, ganador de numerosos premios como la “Espiga de Oro” del Festival de Valladolid, puso a los Dardenne en boca de muchos, provocando que numerosas miradas indiferentes al cine de los belgas empezaran a prestar atención a cada nuevo trabajo que estrenaban.

Retornarían rápidamente al documental con “Gigi, Mónica… et Bianca” (1997) antes de finalizar uno de sus mejores filmes, “Rosetta” (1999) ganadora de la “Palma de Oro” a la mejor pelicula en el “Festival de Cannes”, entre otro galardones.El film que muestra una realización testigo de los años como documentalistas de los Dardenne, se alzó con el reconocimiento de la crítica, sobre todo por la manera de plantear el drama de la adolescente que da título al film. Los Dardenne consiguen insuflar a sus imágenes una gran profundidad y sentimiento que enriquece la totalidad del film con una realización austera.

Sus siguientes filmes “El hijo” (2002), “El niño” (2005) y “El silencio de Lorna” (2008) siguen la temática y el modo de hacer de los Dardenne presentes en su film “Rosetta”, con mayor o menor acierto, para el disfrute de su admiradores y desespero de su detractores que ven en su cine una repetición constante de elementos y temática.

En 2007 participaron en el film colectivo “Chacun son cinema” que reunía a 35 directores de lujo, entre ellos a nuestro estandarte por antonomasia, Pedro Almodóvar.

El 18 del próximo Mayo es la fecha escogida por los Dardenne para estrenar en Francia su nuevo filme “Le Gamin au Vélo”, un drama que seguirá el marcado camino seguido por Luc y Jean Pierre en los últimos años.

Es cierto que el cine de los Dardenne no es muy accesible, y parte del público encontrara sus historias múndanas, lentas y repetitivas, pero si superamos los prejuicios iniciales y comenzamos a desenvolver el film, veremos como en el fondo brilla un color dorado. Además su cine es un buen reflejo de la salud social que existe en Bélgica.




Hermanos Ulloa

La ración de cine español viene en esta entrega de la mano de los hermanos David y Tristán Ulloa. El segundo mucho más popular que el primero, debido a su carrera de actor que le ha llevado a participar en buenas películas y en otras totalmente deleznables. Sus interpretaciones, a pesar de estar tres veces nominado al Goya como mejor actor, no han agradado a una parte del público, aunque mi opinión personal es que es un actor que, aunque quizás no tenga bastantes registros, suele ser solvente con su trabajo.

En 2002, David y Tristán realizaron su primer corto como directores, “Ciclo” basado en un cuento escrito por el propio Tristán Ulloa.Tuvo que ser bastante positiva la experiencia para que ambos hermanos decidieran unirse de nuevo como directores, pero esta vez rodarían un largometraje.

Otra vez adaptaron una obra literaria para sus propósitos, en este caso la novela del escritor peruano Santiago Roncagliolo titulada “Pudor”.
Ejecutando un “modus operandi” bastante práctico (David se encargaría de los aspectos técnicos del film y del tratamiento de la imagen, mientras que Tristán se ocuparía de la actuación de los actores) llevaron a cabo su ópera prima, titulada igual que la novela en la que se basa, “Pudor” (2007)

“Pudor”, sin llegar a ser una obra de arte, es una filme que atrapa al espectador y mantiene su atención de principio a final, sobre todo por las interpretaciones de los actores protagonistas y el tema que trata la novela y el film, ese pudor que tenemos de confesar nuestro sentimiento, pensamientos o estados de ánimo a nuestros seres queridos, convirtiéndonos en seres interiormente solitarios y herméticos.

Ambos hermanos fueron nominados en los “Premios Goya” en el apartado de mejor director novel, pero nada pudieron hacer ante la nominación de J. A. Bayona que había arrasado las taquillas con “El Orfanato”




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Elizabeth Hurley

Fue considerada a finales de los 90 y principios de la década del año 2000 como una de las actrices más bellas,de hecho la popular marca de cosméticos Estée Lauder la escogió para que representase sus productos. Pero a pesar de su atractiva fisonomía y de sus interpretaciones en filmes más o menos taquilleros,en el 2004 desapareció (por lo menos delante de las cámaras) como si de un barco que se ha aventurado a atravesar el Triángulo de las Bermudas se tratase. Quizás el motivo de esta desaparición tan repentina sea sus constantes relaciones personales con hombres que poseen tanto dinero como fracasos de crítica tiene Uwe Boll.

Hurley, una autentica desconocida en esa época, debutó en el film de culto “Aria” (1987), el cual estaba formado por 10 cortometrajes cuyo nexo de unión era que cada historia correspondía a un aria de algún compositor celebre como Puccini, Verdi o Wagner. Igual de célebres eran algunos de los directores que se encargaban de los distintos cortometrajes, contar con Robert Altman, Jean-Luc Godard o Bruce Beresford (el encargado de dirigir a la novata de Hurley) en un mismo film es un lujo que no se repetirá jamás.

Una vez superado el debut, participaría en un capítulo de la serie “Inspector Morse” (1987-2000), personaje nacido de la mente del escritor británico Colin Dexter. A pesar de su aparente longevidad la serie completa solo está compuesta de 33 capítulos. El truco para que tan pocos capítulos te den una serie tan duradera, y sin tener que acudir a milagros como la multiplicación de los panes y los peces, es que cada capítulo duraba 120 minutos y en cada temporada se componía como máximo de 4 episodios.


En 1988 coincidió con Hugh Grant, su futuro novio y más tarde ex, en “Remando al Viento” film dirigido y escrito por el español Gonzalo Suarez, que imagina como fue el célebre encuentro entre Lord Byron, Percy Bysshe Shelley y Mary Shelley, que motivo a está última a crear su gran obra, “El Moderno Prometeo”, más conocida como “Frankenstein”.

Entre el último año de los ochenta y la mitad de los noventa Hurley combina apariciones en la pequeña pantalla, tanto en series como en TV movies, con actuaciones en filmes como “Pasajero 57” (1992) acompañando a Wesley Snipes o trabajando de nuevo con un director español en “El largo invierno” (1992) del catalán Jaime Camino.

Sin embargo su gran salto hacia los caprichosos brazos de la venerada fama no fue hasta 1997 cuando protagonizó, junto a Mike Myers ,la primera entrega de “Austin Powers”, film que fue un taquillazo y colocó a la británica en la órbita de muchos productores americanos.

Sin alejarse de la comedia, Hurley actuó en “Doble Vida” (1998) film que contaba con un buen reparto de actores, donde destacan Ben Stiller, Owen Wilson o Maria Bello. Al año siguiente trabajaría para Disney en “Mi marciano favorito” (1999), además de volver a la comedia ligera en “Edtv”(1999) acompañada de Woody Harrelson y Matthew Macconaughey.

En ese mismo año, escoltaría por segunda vez a Mike Myers en “Austin Powers: La espía que me achuchó”, segunda entrega de la saga, donde por primera vez podemos ver al carismático personaje de “Mini Yo”. De nuevo un éxito rotundo de taquilla, pero la participación de Hurley se resume a un plano.

El efecto 2000 no perjudicó a ningún ordenador( a pesar de las apocalípticas previsiones de la industria informática que se forró vendiendo programas que solucionaban el supuesto problema) pero sí que afectó la carrera de la actriz.

Intentó cambiar de aires con el calmado thriller “El peso del agua” (2000) de la oscarizada Kathryn Bigelow, pero pronto retornaría al refugio de la comedia interpretando al mismísimo Lucifer en “Al diablo con el diablo”(2000), un film infernal para el espectador.

“Doble contratiempo” (2001) y "Bad Boy"(2002) ,ambas compartiendo reparto con el actor Denis Leary, fueron dos comedias que se olvidan tan pronto como vemos el cartel de fin en la pantalla.
Protagonizar otra comedia junto al también de capa caída Matthew Perry, no ayudó a que la carrera de la actriz volviera a levantar el vuelo."Colgado de Sara” (2002) no reunía ninguno de los ingredientes necesarios para que aspirase siquiera a ser una comedia de éxito. Bueno si tenia uno, la aparición de Bruce Campbell, que siempre se agradece. Tras un año de descanso, la actriz vuelve al thriller con “Obsesión: La marca del asesino” (2004), un film que pasó desapercibido para casi todo el mundo.

Tras este último film, se produce un silencio sepulcral en la carrera de la británica. Produce algún proyecto, ejerce como narradora en ciertos documentales y ofrece esporádicas apariciones en programas de TV, pero de actuar ninguna señal.

Después de 7 años, el silencio se ha roto, y para el 2011 podremos quedarnos de nuevo ensimismados con la belleza de Hurley, aunque solo sea en un capítulo de la nueva serie de Wonder Woman que actualmente están rodando.
Para verla en la pantalla grande tendremos que esperar al 2012, fecha que se estima que se estrenarán el film de terror “High Midnight” y el film de animación “The Wild Bunch”, donde la actriz prestará su voz a uno de los personajes principales.

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Del porno al cine convencional (III)

Jenna Jameson

-Conocida como la “Reina del Porno”, Jameson se inició en el cine X para vengarse de su ex-novio, que desvinculó su relación con la actriz cuando esta sufría una anorexia derivada de su adicción a las drogas.
Jameson pronto se convirtió en la favorita de los productores y directores del cine porno, pero sobre todo se convirtió en la favorita del público. Fue la gran actriz porno de los 90.

La polifacética rubia (tiene su propia productora y es autora de un libro y una serie de cómics) flirteo por primera vez con el cine convencional en el film “Partes Privadas” (1997), aquel monumento al egocentrismo del locutor de radio Howard Stern.


En 1999 alcanzó un papel algo mayor en la comedia “Dirt Merchant”, incluso participó en dos capítulos de la serie policíaca “Nash Bridges” (1996-2001). Serie que se caracterizaba por tener una de las parejas de policías más curiosas de la pequeña pantalla, Don Johnson y Cheech Marin.

Compartió escena con la también actriz porno Ginger Lynn Allen, pero esta vez sin tener que desnudar la una a la otra, en la comedia “Evil Breed: The Legend the Samhain” (2003).
Pero en 2008 llego su primer papel protagonista, fuera del porno claro está, en “Zombie Strippers”, explícito título para un film igual de explícito y gamberro, que intenta arrancar la risas del público aunque en pocas ocasiones lo consigue, a pesar de los esfuerzos de gran Robert Englund.
Este año, la neumática actriz tiene pendiente de rodaje del film de acción “War of the Dragon”.

Podemos escuchar su sensual voz en el videojuego “GTA: Vice Citi” (2002) o en la película de animación “Horrorween”(2010), ya que también se ha atrevido con el doblaje.





Joanna Angel

La actriz de 32 años es la mayor representante del altporn, subgénero dentro del porno que se caracteriza por la aparición de actrices con tatuajes, piercing y sin cuerpos remodelados en el quirófano.

Joanna, que aparte de actriz es productora y directora de cine X, dió luz verde a su carrera de estrella porno en el 2004, pero no será hasta el 2009 cuando participe por primera vez en el cine convencional. “Warning!!! Pedophile Released” supuso su debut, gracias a que Shane Ryan (director, guionista y actor del film) le regaló un pequeño papel.

Sin apartar el porno de su lado, Joanna protagonizó el cortometraje cómico “The Woodsman” en 2010. Corto que posee el cameo de Tony Hawk, uno de los hombres que le ha otorgado caché al mundo del skate.
La experiencia de protagonizar el corto, ha debido de cautivar las pretensiones de la atractiva actriz, ya que en este 2011 participó en un capítulo de la serie “Childrens Hospital”, interpretandose casi así misma, ya que su personaje era una actriz porno que había sufrido un percance. Más jugo parece tener su personaje de Candi en “Breath of Hate” (2011), film protagonizado por Jason Mewes, más conocido como Jay, el alma gemela de Bob el silencioso.

Por cierto, ni rastro de porno en este 2011, interpretar el mismo papel de chica en busca de sexo ,y que lo encuentra, debe de ser muy aburrido.





Rocco Siffredi

El soberano del porno europeo, fue el primer actor porno del viejo continente que saltó del círculo del cine X al gran círculo de la cultura popular, tanto por su prolífica y longeva carrera como por su aparejo de trabajo.

Como un cambio de aires no mata a nadie, Rocco aceptó trabajar en el film ,de la experimentada directora Catherine Breillat , “Romance” (1999). Dos años más tarde volvería a participar en otro film dramático, con el sexo como elemento motor de la trama, en el thriller “Amorestremo” (2001), de nuevo bajo las ordenes de una directora, en este caso Marta Martinelli. El film fue vapuleado por la crítica, de hecho la directora no ha vuelto a trabajar en el cine, y Rocco reanudó su trabajo en el terreno que mejor controlaba.

Su trabajo en “Romance” tuvo que agradar mucho a Catherina Breillat para que le volviera a reclamar, y esta vez como protagonista, en “Anatomie de l¨enfer“ (2004), donde el sexo es el alma del film. Tampoco logró buenas críticas esta película, y menos la actuación de Rocco, posible motivo por el cual el italiano no ha aparecido en ningún otro film fuera del porno. Bueno miento, tuvo un fugaz cameo en la comedia “99 francs“(2007).

Quizás nunca sea un buen actor dramático, pero él sabe que su reino se haya en el terreno del porno, además de ser la envidia de un buen número de hombres, que no dudarían en cambiar su oficio por el de Rocco.





Sophie Evans

Húngara de nacimiento, pero española de adopción, la bellísima Sophie Evans lleva la mayor parte de su vida viviendo en Barcelona y es una de las actrices que más se ha involucrado en la estructuración de la industria del porno español.

Al igual que la mayoría de sus colegas de profesión, empezó en el cine convencional con un breve papel, en su caso en el film “Yo Puta” (2004) de la valenciana María Lidón que contó con un reparto internacional donde destacaban la presencia de Daryl Hannah y Denise Richards.
En ese mismo año tuvo otro breve papel en la película de Ventura Pons “Amor idiota”, con Santi Millán y Cayetana Guillén Cuervo como actores principales.

Sin embargo será en el país de la pizza, la pasta y los presidentes de ciencia-ficción donde Evans interpretaría su primer papel con peso dramático en “Mio padre: Novitá gennaro” (2007).
Film bastante curioso por el hecho de que el director anteriormente solo había trabajado en películas porno y el cast se compone de otros actores del cine X como Roberto Chivas.

Un buen futuro se le presenta a la actriz en el cine convencional, tuvo un leve cameo en el multipremiado drama “Biutiful” dirigida por el mejicano Alejandro Gonzalez Iñárritu y protagonizada por el omnipresente Javier Bardem; además gozará de un suculento papel en la comedia protagonizada por Paco León y Kira Miró “No le llames porno, llamalo X” del debutante Oriol Capel.





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Roots Time

Otra vez, desprevenido y casi sin quererlo, caigo en las redes del cine argentino, o por lo menos en la red de Silvestre Jacobi, un multiartista
( director, guionista,pintor...) argentino, que tras su debut como codirector y coguionista en “Cadombe” (2001), documental que se centra en la cultura Afro-uruguaya de Montevideo, decidió viajar con un reducido equipo técnico a la isla de Jamaica, para rodar una pequeña historia sobre un viaje realizado por un par de rastafaris.

De esta manera nació “Roots Time” (2006), una road-movie desbordante de humor cotidiano e inmersa en la cultura y religión rastafari, que nos muestra la cara más amable de la tierra de Bob Marley y Peter Tosh. Así que olvidaos de los guetos y los shottas de gatillo fácil, Jacobi nos ofrece la visión que la mayoría de los occidentales tenemos, sin haber visitado "in situ" la isla; un lugar donde reina la buena voluntad, la música y el amor, en todos sus sentidos.

Amor, principal valor que difunde la religión rastafari, lástima que en Jamaica en muchas ocasiones se sustituya este valor por la violencia y la ley del más fuerte. Pero no nos salgamos de los cauces y centrémonos en el filme.

“Roots Time” nos relata la historia de dos rastafaris (no confundir con dos rastas) veteranos, Baboo (Llewelyn Samuda) y Jah Bull (Woltoon Harrison) que viajan por las zonas más rurales de Jamaica, al volante de un viejo coche “tuneado”, vendiendo vinilos de reggae.
En mitad de su travesía auxiliaran a la pareja formada por Ras Amuna, un locutor de radio que prodiga el mensaje del Jah, tanto en forma de discurso como en forma de canción, y Brenda, que se encuentra gravemente enferma y necesita acudir a un médico.

Jah Bull y Baboo,siguiendo los preceptos de su religión, ayudarán a la pareja, pero no permitirán que Brenda acuda a un médico corriente, ellos creen que la medicina natural será mejor solución, por ello acudirán a un curandero de confianza. El trayecto aparentemente sencillo se torcerá ligeramente, para regocijo del espectador.

El filme de Jacobi le podemos clasificar, en un primer término, como una road movie en clave de comedia, donde el humor lo encontraremos en la peculiar relación que existe entre Baboo, un hombre tranquilo y despreocupado, y Jah Bull, un rastafari algo malhumorado y fantasioso.
Dos polos opuestos que irremediablemente chocarán y provocarán más de una discusión. Discusiones efímeras, que sólo pueden surgir cuando dos personas son grandes amigos y que resultan sumamente divertidas para quien las ve desde fuera.

Aquí es donde suelen acabar el contenido de muchas “road-movies” del cine más comercial; sin embargo “Roots Time” ofrece mucho más, si rascamos la superficie comprobaremos que esta película tiene un rico mundo interior. Jacobi nos muestra, con la mayor naturalidad del mundo, algunas partes de la actitud y las pautas que el rastafarismo difunde, revelando al espectador que la realidad esta muy lejos de la creencia popular occidental de que los rastafaris son gente que tienen rastas, que consumen el día tumbados en hamacas, escuchando reggae y fumando marihuana.

Por otra parte, Jacobi intenta salvar, o más bien conservar con su cámara, aquellas culturas que retienen su esencia particular, en contra de un mundo cada vez más globalizado que transforma todas las culturas autóctonas en una masa única e indiferencial. Por ello no extraña que Jacobi haya rodado en ingles jamaiquino.

La gran frescura que tiene el filme, lo ha conseguido el director al escoger un reparto de actores no profesionales, ningún actor se había puesto ante un cámara, y es muy posible que sus personajes sean sus propios alter-ego, lo que dota a la actuación de un brillo particular que los actores profesionales suelen perder según van atesorando experiencia. Una pena que Harrison falleciera antes de ver su actuación en la gran pantalla, tendría motivos para estar orgulloso.
Frescura que se acentuá con los plano recursos que almohadillan la transición de escenas, planos que muestran imágenes reales de una parte de la vida en la isla, por lo que, aún siendo ficción, aumenta la credibilidad de todo el contenido.

Con una realización sencilla, rodado en digital, con un dominio de planos estáticos con trípode y el uso casi exclusivo de luz natural, Jacobi crea un regalo para los ojos del espectador. Todo ello rehogado con una buena selección de reggae, algunas de las canciones son propias de los actores, que intentan imitar el sonido que se produce de la caricia de la aguja con el vinilo, rememorando el sonido de las míticas sound-sistem.

“Roots Time”, que obtuvo el premio a la mejor película en el Festival de Portobello, no debe ser sólo una comedia enfocada a los seguidores del movimiento rastafari o amantes del reggae, sino un film que bastante gente debería de acercarse para comprobar por ellos mismos como se puede realizar buenas películas sin tener que recurrir a colosales presupuestos, estrellas de cine y sobre todo, sin que en la parte de atrás ponga “made in EEUU”. Un soplo de aire fresco ante una cine cada vez más globalizado.








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